50 años sin Jimi Hendrix: el mayor "influencer" de la historia de la guitarra eléctrica

Nada tiene que ver el panorama musical actual con el que vivió Jimi Hendrix. Hoy los nuevos y jóvenes guitarristas suelen llegarnos a través de la pequeña pantalla de nuestros móviles, a los que en muchos casos ni siquiera llegamos a ver en vivo jamás.

Pero el concepto Hendrix sin las actuaciones en vivo resulta casi imposible de comprender. El caso de Hendrix tiene algo místico, visceral e irrepetible, que hace que algunos de los momentos que protagonizó sobre el escenario sean igual o más importantes que su obra discográfica grabada. En otras palabras, el carácter efímero de lo que hacía y cómo lo hacía, son el verdadero secreto de su leyenda. Seguramente, por muchas recopilaciones o grabaciones inéditas que puedan seguir apareciendo, los que no vivimos la experiencia de verle directamente sobre un escenario, no comprenderemos jamás la totalidad del fenómeno.

Hoy se cumplen 50 años desde que perdimos a Jimi Hendrix, un 18 de Septiembre de 1970 en que Hendrix fue trasladado en ambulancia desde el hotel Samarkand de Londres al hospital de St Mary Abbot, tras haber pasado sus últimas horas junto a la patinadora alemana retirada Monika Dannemann, a la que conocía desde no mucho antes. Los médicos señalaron que la muerte se había producido a causa de la asfixia con su propio vómito, durante una intoxicación por barbitúricos (Vesparax), y según la fuente, por la mezcla de los mismos con alcohol.

Como suele ocurrir en estos casos, la situación dio mucho que hablar: Dannemann, quien supuestamente proporcionó el Vesparax, aseguró que le recomendó a Hendrix que tomara media pastilla, y que fue él quien consumió hasta 9 sin que la patinadora lo supiera. Además, dijo que Jimi aún vivia cuando la ambulancia llegó, y apuntó a una negligencia de los servicios médicos como causa de la muerte, mientras que la policía y los sanitarios informaron que al llegar encontraron a un Hendrix ya fallecido en un apartamento vacío y con las puertas abiertas.

Una situación confusa, como las que suelen rodear a las grandes celebridades cuando dejan este mundo de forma inesperada, y que impulsó a Kathy Etchingham, ex novia de Jimi, a solicitar una reapertura de la investigación en 1992, que no llegó a ninguna conclusión de la policía, y que fue por ello abandonada en 1993. Los periodistas cercanos a Jimi ponen en duda los testimonios de Dannemann (quien se suicidó en 1996 inhalando monóxido de carbono), pero parece que algunos están de acuerdo en que se trató más de una sobredosis accidental que un intento por parte de Jimi de quitarse la vida o explicaciones más enrevesadas.

Aunque su fallecimiento es uno de los episodios más perturbadores para el gran público, hay algo más sobrecogedor: su ascenso a la fama ocurrió apenas 4 años antes de su muerte.

Es decir, que entre 1966 y 1970 aproximadamente, fue capaz de impresionar al mundo, y lo bastante como para que el impacto continuara mucho después de desaparecer. Le dio tiempo a crear la banda The Jimi Hendrix Experience, Band of Gypsys más tarde, tener varios éxitos en las listas y dejar momentos memorables para la posteridad en muy poco tiempo.

Fue un "influencer" superlativo, sin likes ni visitas a vídeos de Youtube, sino utilizando los mecanismos de la industria discográfica de aquél tiempo y su visión única y, en cierto modo, futurista de la guitarra. Los otros gigantes de la guitarra hablaban de él, y su figura sigue pareciendo algo inalcanzable.

Pero, ¿qué hacía tan especial a Jimi? ¿Y por qué hoy, 50 años más tarde, es señalado como la pieza clave en el sonido de la guitarra eléctrica?

Puede ayudar a comprenderlo la opinión de los expertos. Muchas celebridades han hecho entusiastas declaraciones acerca de Hendrix, en algunos casos subrayando lo incomprensible de su obra, en otros casos racionalizándola. Algunos como John Frusciante sugieren la idea de que Hendrix podría haber influído incluso en el campo de la electrónica.

"Para mí, el primer shock fue Jimi Hendrix. Eso fue lo más importante que sacudió a todos. A pesar de que todos nos habíamos establecido con solidez en el campo de la guitarra, él vino y restableció todas las reglas en una noche".

"Jimi es, por supuesto, mi número uno. Y siempre he dicho eso. Para mí, él sigue siendo algo sobrehumano. Es como si realmente viniera de un planeta alienígena, y nunca sabré exactamente cómo hizo lo que hizo [...] Y cada vez que vuelvo a Hendrix, estoy emocionado y aturdido, y tengo esa sensación de nuevo, como si dejara de tocar la guitarra porque no puedo enfrentarme a ello. Realmente voy a tener que meterme en eso a lo grande e intentar hacer lo que está en mi propio cuerpo y alma. Nunca dejo de aprender de Jimi. Por extraño que parezca, en estos días casi nunca toco sus cosas, pero de todos modos está dentro de mí “.

"Soy un chico de Electric Ladyland. Su música siempre me suena perfecta, porque está doblando el sonido, cuidando la música en todas las dimensiones. Donde la mayoría de la gente piensa en dos dimensiones, él piensa en cuatro. No creo que haya un mejor guitarrista en la historia. No es algo que se pueda mejorar. Y está el espíritu que entra en ello. Él crea un lugar donde puedes estar drogado, pasar el rato y perderte. Está sacando a relucir aspectos del sonido que no sabíamos que estaban allí. Siento que hay gente avanzando en ese frente, pero no son tanto guitarristas como artistas electrónicos, como Aphex Twin y Squarepusher. Continúan el trabajo que comenzó Jimi Hendrix, pero no en la guitarra."

"La gente me pregunta todo el tiempo si alguien puede llegar, en esta época, y tener el mismo tipo de impacto que tuvo Hendrix. Y yo digo: 'absolutamente'. No sería como Jimi Hendrix. No debería; no puede. Eso es como decir que un grupo puede ser como The Beatles y revolucionar la música. No, eran los Beatles y cambiaron la música de la forma en que lo hicieron".

"Su música era tan visual... Cuando tocaba una canción y quería sonidos de gaviotas en ella, conseguía esos sonidos. Si quería que su guitarra sonara como si estuviera bajo el agua, podía hacerlo. Y en el 'Machine Gun 'de Band of Gypsys, entra en todo ese asunto en el que está imitando a los bombarderos que entran, lanzando bombas, las voces gritando. Hendrix tenía una forma de decir algo político sin hablar fuera de su propio lenguaje musical. Lo decía en términos sonoros. Y su sonido de guitarra es algo que él inventó por completo. No hay nadie que sonara como él, antes o después. Él inventó la "Iglesia del Tono". Tenía un sonido monstruoso, una técnica monstruosa, canciones monstruosas. Y alma de sobra ".

"Cuando escucho a Hendrix, escucho a un hombre, y ahí es cuando es más hermoso, cuando recuerdas que otro ser humano fue capaz de lo que logró. Lo que soy como guitarrista se define como mi fracaso en tratar de convertirme en Jimi Hendrix. Tan lejos como llegues en tratar de imitarle, eso será lo que seas".

"Más que las canciones, lo que cambió mi vida fue la libertad, la expresión que [Hendrix] trajo a la actuación. Había una sensación de peligro salvaje e imprudente... Para mí, Hendrix no se trata necesariamente de melodías o acordes, se trata de la energía que aporta, la forma en que toda su personalidad psicodélica, loca y ligeramente drogada se desangra en lo que está tocando... en realidad te hace pensar en el futuro".

“Nunca me dijiste que era tan jodidamente bueno” — tras el famoso episodio en que, de manera improvisada, el mánager Bryan Chandler convenciese a Clapton y a su banda Cream de que aceptaran que un aún desconocido Hendrix subiese al escenario a tocar con ellos "Killing Floor" de Howlin' Wolf, robando toda la atención del público. Más tarde, Clapton amplio en su biografía: "Todo el mundo estaba atónito. Recuerdo haber pensado que aquí había una fuerza a tener en cuenta. Me asustó porque claramente iba a ser una gran estrella, y justo cuando estábamos encontrando nuestra propia velocidad, aquí estaba la realidad". El momento fue representado por la película "Jimi: all is by my side" de 2013, bajo estas líneas:

La decisiva llegada a Londres de Jimi en 1966 para crear The Jimi Hendrix Experience de la mano de Bryan Chandler (bajista de los Animals quien vio algo especial en Jimi), no era ni mucho menos su primera aventura musical. Hendrix nació en Seattle en 1942, y cultivó su interés por la música a partir de algunas experiencias reveladoras, como el concierto de Elvis Presley al que asistió cuando tenía 15 años. También se fijaría en los grandes del blues, tal como él mismo le contaba a Rolling Stone en 1968 (sólo un año después de la creación de la revista): “El primer guitarrista que conocí fue Muddy Waters. Escuché uno de sus viejos discos cuando era un niño y me asustó muchísimo, porque escuché todos esos sonidos. ¿De qué va todo eso? Fue grandioso. Y me gusta Albert King. Toca completa y estrictamente de una manera, simplemente funk blues. Nueva guitarra de blues, muy joven, un sonido funky que es genial. Uno de los más funk que he escuchado. Lo toca estrictamente de esa manera, así que ese es su terreno".

Hendrix no recibió enseñanzas de música formales, sino que fue abriéndose camino de forma autodidacta, primero con el ukelele y más tarde con las guitarras que iba consiguiendo y con un ampli prestado. Su juventud musical se vio temporalmente interrumpida cuando, a los 17 años aproximadamente, se alistó a a armada (división de paracaidistas) hasta que en 1961 tuvo que dejarla debido a una lesión, la cual le evitó tener que ir a la guerra de Vietnam. Tras su regreso, reanudó sus quehaceres musicales trabajando como guitarrista para algunos artistas, (de cierta relevancia, de hecho), siendo Little Richard, B.B. King, Ike and Tina Turner, y Sam Cook algunos de ellos. Está claro que eso era ya un entrenamiento de primera línea para lo que estaría por venir.

Tras mudarse a Nueva York y tocar por los cafés (entre ellos el famosísimo café Wha de Manhattan, plataforma de lanzamiento de numerosos artistas), sería descubierto por el mencionado Chandler. El viaje a Londres en 1966 tenía claramente una misión evangelizadora, uniéndose por fin a Noel Redding y Mitch Mitchell para crear la Jimi Hendrix Experience, banda con la que llamaría la atención del público británico. Los Beatles también fueron en más de una vez nombrados como una de las influencias de Jimi, y este se lo quiso hacer saber tocando Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band ante ellos, aprovechando la presencia de Harrison y McCartney en el Saville Theatre en el que actuaba.

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Uno de los aspectos de la técnica de Jimi Hendrix en que más coinciden sus seguidores es el uso tan original que hacía del instrumento. Evidentemente, con lo importante que la herencia del blues había sido para él, puede percibirse el uso de los recursos de los grandes bluesmen, no solo en los elementos más obvios como los licks, sino también en el planteamiento de algunas estructuras de canción y las letras. Pero eso por sí solo no describe, ni mucho menos, el sonido vanguardista que Hendrix logró.

Incorporó un enfoque de la armonía mucho más libre que sus antecesores, marcado por la espontaneidad y la aparente anarquía de la psicodelia. Parece como si el blues, el funk, el rock y la experimentación con aires progresivos se diesen la mano en la música de Jimi, siendo todo ello y a la vez, ninguna de esas cosas. Y como envoltorio, los efectos que realzaban la sensación futurista de su música. La cantidad y cualidad de la distorsión, sumado al atrevido uso de efectos que tenían gran impacto sonoro, suponían una revolución para la época. En algunos casos, incluso fue él de los primeros en probar distorsiones nuevas, como el Roger Mayer Octavia.

Su elección de acordes y la forma de construirlos ha sido también objeto de interés para muchos de sus seguidores, alejándose de las típicas y manidas formas de tocarlos. Hasta el acorde 7#9 ha acabado siendo llamado el "Hendrix Chord", por ser Jimi su mejor embajador:

Desde las simples pentatónicas hasta las disonancias obstinadas de los tritonos a bajo y guitarra de la intro de Purple Haze, todo estaba recubierto de la idiosincrasia y la energía de su forma de tocar, que también era observable externamente en los gestos intensos pero aparentemente libres de esfuerzo que, posiblemente, contribuían a lo impresionante de verle en directo. También en las versiones demostraba una gran clarividencia con los arreglos, al hacer del "All along the watchtower" de Bob Dylan un tema completamente distinto; o al lograr entrar en el Top 10 de los éxitos británicos de 1967 con el famosísimo "Hey Joe".

De todas las guitarras que ha usado Jimi, probablemente la más legendaria es la Fender Stratocaster blanca de 1968 que usó en 1969 en el festival de Woodstock. Casi todos los guitarristas saben que Jimi solía usar guitarras de diestros a pesar de ser zurdo, tocándolas al revés a propósito. Varias Stratos pasaron por sus manos (alrededor de 20 diferentes), como la también famosa Stratocaster color Fiesta Red (del 63 o el 64) decorada por él mismo que acabría en llamas en el Monterey Pop festival, dejando para la posteridad uno de los momentos más recordados de la guitarra eléctrica.

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Algunas fueron bautizadas, como las famosas Carol (la primera Strato de Jimi, comprada por su novia Carol Shiroky para él) o Linda (proporcionada por Linda Keith, novia de Keith Ricards, y de la que nunca quedó claro si la sacó del arsenal de "Keef" o la compró para Jimi).

Pero hay otras guitarras que, a pesar de no ser Fender, los fans también asocian a Jimi: una es la Flying V 1967 decorada que, que aunque no fue la única Gibson que ha usado (otras Flying V's, Les Paul Customs, algunas SG), si fue con la que se mostró en más ocasiones. En el vídeo bajo las líneas le vemos con una SG Custom 1967.

También las etapas tempranas de Hendrix fueron ligadas a instrumentos variopintos, como la 1957 Supro Ozark, la Danelectro Bronze Standard, Epiphone Wilshire y algunas Jazzmasters. La web groundguitar, especializada en listados de equipos de artistas famosos, hace una valiosa recopilación de todas ellas que vale la pena no perderse.

Por supuesto, hay muchísima literatura y mitología entorno a los intrumentos de Hendrix. Uno de los comentarios hechos con bastante frecuencia es que las Strats de Jimi pertenecían, en su mayoría, al que es considerado el peor período de fabricación de Fender, el de la pertenencia a CBS. Eso hace que muchos guitarristas consideren a Jimi poco remilgado con los instrumentos; mientras que otros no opinan igual, y añaden que el deterioro de las calidades fue gradual, por lo que las de Jimi (de finales de los 60) no tendrían por qué verse tan afectadas como los modelos posteriores.

Evidentmente, las guitarras de Jimi han sido objeto de noticia cuando han sido subastadas, llegando a cifras más elevadas las que han protagonizado algún momento especial, como una de las dos guitarras quemadas por Jimi, por la que se pagaron 560.000 dólares. Imaginamos que la quemó en Monterey alcanzaría una cifra muy superior, de no ser porque la hizo pedazos que lanzó en varias direcciones. El único trozo del que se conoce la ubicación está en el Museo de la Cultura Pop en Seattle. Pero la que, en teoría, habría alcanzado un valor más elevado sería la Strato de Hendrix utilizada cuando tocó "Star Spangled Banner" en Woodstock. Se rumorea que en cierta ocasión Paul Allen (co-fundador de Microsoft) pagó alrededor de 2 millones de dólares, para mostrarla en el museo benéfico del que también es fundador.

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En cuanto a detalles como las púas, parece que Jimi podría haber usado las Fender Medium Celluloid, y en cuanto las cuerdas, Roger Mayer (creador del pedal Octavia íntimamente relacionado con Jimi) indicó que usaba lo que por aquél entonces se llamaba Fender 150 set, un paquete de cuerdas con los calibres .010, .013, .015, .026, .032, .y 038. Actualmente es posible conseguir un equivalente, también de Fender, llamado Fender Hendrix Voodoo Child Strings. No obstante, otras informaciones apuntan a que usaba mezclas de sets de cuerdas para buscar una entonación y afinación más precisas, aunque no está claro este dato.

Si Jimi Hendrix contribuyó a construir la leyenda de la Stratocaster, con el caso de los amplificadores Marshall no es muy diferente. Los JTM 45/100 son el amplificador que más utilizó, pero otros tuvieron su papel también: se cuenta que un Fender Dual Showman fue el ampli tras el sonido de "Voodoo Child". También clásicos como el Vox AC30, el Supro S6420 Thunderbolt o el Twin-Reverb fueron utilizados en algún momento; incluso marcas menos comunes hoy en día como Silvertone, Guild o Sound City llamaron la atención de Jimi.

Curiosamente, Hendrix llegó a tener un breve contrato con Sunn Amps: supuestamente, Buck Munger, representante de Sunn por aquél tiempo, aprovecharía la ocasión en la que los amplis Fender de Jimi se averiaron, para sustituirlos por unos Sunn y hacer un acuerdo con Jimi. Pero duró poco la cosa: parece ser que sólo 7 días más tarde, llegó a oídos de Sunn Amps que Jimi había dicho al púbico de su concierto en Houston, Texas, que había cometido un error al usar Sunn, y se extendió hablándoles sobre lo malos que le parecían. Volvió a usar los Marshall de siempre poco después.

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En este apartado Hendrix dejó una estela clara y definida: su uso de los efectos no hacían más que añadir sofisticación a su música, de por sí ya inquieta y novedosa. De alguna manera, da la sensación de que su ánimo de ser él mismo y tener su propio carácter inundase tanto lo personal como lo musical, por lo que el envoltorio de la composición en sí misma debía tener su propia idiosincrasia.

Los pedales más característicos de su sonido son el fuzz (el Maestro FZ-1 Fuzz Tone, el Dallas Arbiter Fuzz Face, el Marshall Supa Fuzz y el Roger Mayer Octavia), el Shin-ei/Univox Uni-Vibe (una modulación ondulante) y, por supuesto, su wah Vox. Casi todos ellos tienen alternativas actuales, ya sea con mayor o menor precio en función de lo fidedignas que sean las réplicas, por lo que lograr crear una pedalera similar a la de Jimi, no debería resultar del todo difícil.

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Por supuesto, los herederos de los derechos del nombre de Jimi Hendrix han dado licencias a diferentes empresas para lanzar al mercado todo tipo de productos. Desde los más pequeños hasta los más grandes: púas, correas, guitarras, pedales, software; absolutamente todo lo imaginable que tenga relación con la guitarra. Incluso llegando a veces a productos algo dudosos, como esta extraña Gibson Jimi Hendrix Signature, una suerte de Stratocaster de baja gama que en cierto punto Gibson trató de ofrecer al público principiante.

Fender, por supuesto, nunca ha dejado de sacar partido ofreciendo periódicamnte diferentes guitarras inspiradas en el trabajo de Jimi, en diferentes colores, gamas y de distintos orígenes de su fabricación. Así lo han hecho otras marcas que también guardaban alguna relación com Hendrix, como Seymour Duncan, ofreciendo el accesorio o repuesto que más pueda acercarse a lo que Jimi usó o hubiese preferido.

Como suele ocurrir en estos casos, aunque la herramienta es una gran ayuda para acercarse al sonido de nuestros héroes, nunca deja de ser un mero canalizador de la voz del intérprete. Precisamente era eso lo que diferenciaba a Jimi de todo lo que sus contemporáneos habían oído hasta el momento, después de todo, había muchos más usuarios de Stratocaster en el planeta, pero sólo él sonaba como lo hacía al haber aportado su propio lenguaje.

Una bonita moraleja, que quizás sea lo que explica que Jimi cambiase el mundo de la guitarra: fue él mismo con tanta fuerza que no había más remedio que reconocerlo. Desde luego que no todos los momentos de la historia fueron iguales, y es posible que hoy en día las fórmulas para lograr el reconocimiento sean algo distintas. Pero dejando el tema de la llegada de un seguno Jimi Hendrix al mundo, lo que sí es clarísimo es que la actualidad aún esta llena de referencias a lo que Hendrix hizo, y la importancia de su legado es uno de los pocos asuntos en los que los Guitarristas no acostumbran a diferir demasiado.

Os dejamos con un vídeo de este año, perteneciente a uno de los muchísimos guitarristas que seguro han pasado tan buenos ratos como algunos de vosotros oyendo al gran Jimi Hendrix, Eric Gales. Quien, por cierto, no creemos que lleve la guitarra así sin cierto orgullo. ¡Que el legado de Jimi perdure por siempre!.