Intervalos, acordes y modos en el rock

¿Qué es el rock? ¿Qué diferencia a este estilo, tan extendido en nuestros días, de estilos con similitudes, pero a la vez tan diferentes, como el blues, el pop o el metal? ¿Hay una base armónica para tocar o componer rock?

Lo primero que hemos de entender es que no existe un arquetipo de rock. El rock ha pasado de ser un estilo de música (derivado del blues clásico y el boogie) y se ha transformado en un hecho cultural, mucho más extenso. Ya no existe un arquetipo de rock con un patrón armónico fijo, sino muchos estilos que convergen en puntos comunes que no responden necesariamente a la armonía.

¿Qué tienen en común Chuck Berry, Aerosmith, Hendrix, Bon Jovi, Boston, Journey, Winger, Kiss, Queen, y un sinfín de bandas más?

Si que existen algunos recursos más o menos estandarizados de los que hablaremos, empezando por sus comienzos, pero lo cierto es que hay muchas más diferencias que lugares comunes entre estos grupos. Tantos, como estilos de rock.

Como estilo, el rock se basa también en las letras, en la vestimenta y la parafernalia, en la actitud, en la pose y la forma de moverse por el escenario, o en el carácter del sonido, con mayor índice de distorsión y volúmen que otros estilos. Al final, como muchos estilos de música (jazz, clásica, metal, country) el rock es un compendio de elementos más allá de la mera armonía.

Chuck Berry, Les Paul, Elvis, Little Richard... muchos son los nombres que podemos citar a la hora de hablar de los orígines del rock, pero lo cierto es que el estilo proviene, no de un hombre, sino de una madre, mucho más antigua, una madre negra, energética, que nació para desafiar toda convención social y que se convirtió en diferentes estilos. Esa madre, la música negra, terminó procreando con otras madres para generar el blues clásico, el rhytm & blues, y el boogie, gérmenes del rock clásico, que finalmente evolucionaría hacia el hard rock.

Cada uno de estos estilos añaden una base al rock.

Del boogie, el rock toma los tempos vertiginosos, mucho más rápidos que los de otros estilos más arraigados, más simple que el jazz que se estaba tornando mucho más veloz (be-bop), con tiempos muy marcados y compases muy rítmicos, y cuyos tiempos se subdividían en corcheas.

Del Rhytm & Blues incorpora los elementos propios del jazz más simple y la formación clásica con bajo, dos guitarras y vocalista (si bien el rock pronto elimina al saxofón y crea un trío de bajo-batería-guitarra más voz), además de los elementos del gosspel.

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El elemento más importante de esta ecuación es el blues. Del blues toma la forma de entender las letras, los elementos de escenario y la diversión y el baile más descarado, así como la armonía, el punto al que llegamos, y el uso de las escalas pentatónicas. Es algo muy palpable en bandas como The Rolling Stones, con unas raíces fortísimas de blues y R&B y un rock muy bailable al estilo años 60, especialmente en sus inicios y en la década de los 70.

El rock, en su forma más básica, y aún en muchas de sus formas avanzadas, utiliza la armonía básica blues, que se basa en utilizar los grados I-IV y V de una tonalidad en su forma dominante. Para aquellos que no sepan mucha armonía, podemos resumir diciendo que, teniendo una tonalidad (como ejemplo, A) se toman los acordes de tónica, y de su cuarta y quinta nota (es decir, A, D y E) pero en forma de acorde de séptima. Es decir, A7, D7 y E7.

Podéis ver un ejemplo de armonía básica de blues y distribución en este artículo:

https://www.guitarristas.info/tutoriales/armonia-para-todos-analisis-blues-mayor-primera-parte/1105

El rock se diferencia del blues en que el orden no sigue necesariamente los esquemas clásicos del blues, y su ritmo es menos ternario que el blues primigenio. Si que utiliza la pentatónica, si bien, hasta pasado bastante tiempo, apenas incide en la pentatónica mayor, que en el blues había sido la más importante, sino que basa toda su fuerza en la pentatónica menor. El sonido mayor se utiliza más de apoyo, por lo que la escala pentatónica menor y su nota de blues (b5) se convierten en la base del estilo. Aquí tenéis un video con esta escala y sus patrones.

Además, pronto comienza a utilizar un intervalo base, que va ser el más importante en su historia en lugar de usar los acordes completos del blues o los intervalos descompuestos de los acordes dominantes. El intervalo de quinta justa.

Una característica propia del rock, especialmente a partir de los 60-70, es el uso de intervalos determinados a la hora de configurar los llamados riffs

Un riff es un patrón rítmico que se repite de forma cíclica. No tiene por qué estar formado por acordes, puede ser una melodía, con un ritmo determinado y que varíe sobre un motivo.

Como ejemplos de riff "clásico" tenemos estos:

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Y como ejemplos de riff "melódico" podemos citar el más conocido:

El riff es el concepto que, en cierto modo, define el rock. No existía en ningún otro estilo, ni siquiera en el blues, el soul, o el R&B, y se ha incorporado únicamente en estilos derivados del rock, como el heavy, el thrash, rock progresivo, etc.

Su ventaja es clara, y es que con una linea rítmica diferenciada, nos permite introducir un patrón reconible por el oyente, algo que permita que el tema sea identificado a la primera escucha y sea más "comercial". Además, las variaciones sobre ese riff pueden introducir un solo, una linea rítmica diferente...

En sus comienzos, el riff y las rítmicas en el rock derivan de los recursos más utilizados en blues, pero sin utilizar tanto las séptimas de los acordes (los grados en su forma dominante). Pronto los acordes de tríada también desaparecen, debido a la búsqueda de un sonido más "plano" y contundente. Las terceras de los acordes "brillan" demasiado. Son importantísimas en los acordes, pero en el rock su sonido, tan definitorio para el acorde, resta potencia, máxime, teniendo en cuenta la distorsión. Además, las terceras quedan a cargo de la linea de bajo y le permiten trabajar en un espectro en el que las guitarras, omnipresentes en el nuevo estilo, no le roben todo el protagonismo.

Por ello comienzan a usarse las tríadas sin tercera, es decir, los intervalos de quinta justa, formados por una tónica (R) y su quinta justa (nota que se encuentra a 3 tonos y medio de la primera) que tenéis en el siguiente esquema:

La quinta disminuída y la quinta aumentada, que debieran utilizarse en algunos acordes (grados), son sustituídas por la propia quinta justa. Si bien muchos creen que es por desconocimiento de la armonía, también obedece a razones auditivas, y es que el sonido de esos intervalos con overdrive y distorsión, parece alejarse del sonido buscado en el rock clásico y el hard rock. Solamente grupos de rock progresivo y, a partir de los 80, bandas como Dokken o Queensryche, comienzan a utilizarlas en un contexto rock (bien diferente es en Death y Thrash, derivaciones del lenguaje rock). Las formas de intervalos con tensiones excesivas tampoco son arquetípicas en el rock, al menos, si no hablamos del rock sinfónico o el progresivo, que experimenta mucho más con esos sonidos.

Las quintas se utilizan en el rock constantemente, incluyendo su forma invertida, que puede ser confundido con las llamadas Cuartas justas. Las quintas invertidas se digitan igual que las cuartas justas. En un acorde invertido, la tónica es la que está en posición aguda, no en la posición grave. Es el caso de las lineas utilizadas en temas como Johnny B. Good o el riff de Smoke on the water, que podéis ver aquí:

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En este riff la tónica de cada intervalo es la nota aguda. Por eso no es un intervalo de cuarta, sino una quinta invertida (podéis probar a pasar la tónica una octava por debajo y lo entenderéis)

Finalmente llegamos al mal llamado "power chord", que es en el que se dobla la tónica del intervalo. Realmente no es un acorde, puesto que tiene únicamente dos notas (se trata de un intervalo) diferentes entre si, pero, al duplicar la tónica, su sonido es aún más pleno y contundente. Pronto se convierte en el intervalo "estrella" en el rock.

Mientras, el rock más oscuro aparece de la mano de Black Sabbath, utilizando las llamadas quintas disminuídas o tritonos, que dan lugar a sonidos oscuros y tétricos:

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Por fortuna, el rock no se queda en una serie de intervalos de quinta y variaciones sobre el blues. Pronto se hace mucho más complejo y su propia naturaleza, transgresora y en búsqueda de un sonido diferente, lo convierte en un estilo apropiado para añadir elementos de otras músicas, como el jazz, o el clásico.

Así, nos encontramos con músicos como Jimi Hendrix, cuyo lenguaje, que media entre el rock, el blues, y la música experimental, añade también acordes de séptima, tríadas, novenas... y elementos propios de estilos tan alejados del rock como podría ser el jazz, en el caso de los ciclos de cuartas y otros recursos compositivos.

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Hendrix, o músicos como Jeff Beck, entienden la música no únicamente mediante riffs. El incorpora el concepto clásico de progresión de acordes y Chord melody, es decir, hacer melodías con sus acordes y tensiones. Un buen ejemplo de esto es Little Wing. Es precursos de casi todos los guitarristas modernos, como Richie Kotzen, quizás su mejor reflejo en la actualidad, o bandas como Aerosmith. Guitarristas como Jimmy Page de Led Zeppelin, o bandas como Cream, ya utilizan progresiones de acordes, pero están basadas principalmente en los estilos del llamado blues menor, un blues melancólico que utiliza algunos acordes no tan usuales en blues.

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Hendrix, en cambio, utiliza recursos propios del rock clásico de Chuck Berry y compañía e incorpora el concepto de progresiones, por lo que el lenguaje rock se amplía, mezclándose con estilos como el pop, pero añadiendo ese sonido más contundente y el lenguaje pentatónico y de la escala de blues.

Pronto, bandas como King Crimson o Yes van más allá y añaden elementos clásicos o de jazz a su música. El intervalo de quinta y el riff siguen siendo preponderantes, así como los sonidos más distorsionados o el uso de la nota de blues y las pentatónicas, pero el estilo ha crecido y se ha separado de su padre, el blues, que sigue vivo. La complejidad rítmica también aumenta hasta límites insospechados, añadiendo elementos fuera del precursos, el R&B, y tomando los contratiempos y síncopas propios del jazz y elementos experimentales, como la polirritmia.

Bandas que median entre el rock y otros estilos (como The Police) añaden a los intervalos de quinta tensiones diferentes, como la Novena añadida, intervalo que resulta de añadir una segunda (a un tono de distancia de la tónica) una octava por encima.

Aunque hoy en día se atribuye a la figura de Yngwie Malmsteen o Randy Rhoads, así como a Jason Becker, el rock neoclásico nace de la mano de Richie Blackmore, de Deep Purple y Rainbow, y su consolidación viene de la mano del alemán Michael Schenker, de UFO y Scorpions y del guitarrista holandés Edward Van Halen, quien también revoluciona la técnica del rock e incorpora el uso de armónicos, punteo de trémolo... Pero eso lo dejaremos para otro artículo que hable de técnica en el rock. En cuanto a los precursores del neoclásico, deberíamos citar a The Doors, banda cuyo teclista siempre dejó entrever influencias clásicas de gran calidad en las composiciones de la banda.

En temas como Highway Star, Blackmore ya da muestras de un exquisito gusto a la hora de incorporar pequeños motivos clásicos, pero es en Rainbow donde el británico utiliza de modo habitual la escala menor armónica, una escala menor con el 7 grado alterado (1-2-3b-4-5-6b-7), aludiendo al barroco y al clasicismo, y creando este nuevo género.

A pesar de que el nuevo estilo no le concede tanta importancia a la pentatónica, el concepto de riff sigue siendo el principal aliado de la música, además del sonido distorsionado propio del rock moderno, lo que lo aleja de las composiciones más clásicas. Además, la estructura, basada en el formato canción (estrofa, estribillo, puentes, instrumental...) lo acerca más a la música popular moderna, englobándolo dentro de los estilos rockeros. Algunos ejemplos de rock instrumental, con la sonoridad propia de la escala menor armónica, son los siguientes:

Hay bandas como Queen que también utilizan elementos clásicos, pero podríamos decir que están más ocultos, dentro de un estilo atrevido que huye de un cliché como es el de rock neoclásico.

Finalmente, el rock incorpora diferentes tipos de sonoridades, basadas en los llamados modos o escalas modales. Podéis encontrar artículos sobre las escalas modales en estos enlaces del foro:

https://www.guitarristas.info/tutoriales/modos-griegos-tablaturas-ejemplos-mp3/98

https://www.guitarristas.info/tutoriales/modos-griegos-comprension-aplicacion-practica/1937

Es evidente que el rock siempre ha utilizado modos como el eólico, modo propio de la escala menor natural, pero lo cierto es que la sonoridad comienza a ampliarse a comienzos de los años 80 de la mano de Boston, Toto, Joe Satriani, Paul Gilbert, Steve Vai, Andy Timmons, o George Lynch.

Hay una figura anterior, la de Carlos Santana, que incorpora un lenguaje armónico diferente, basado en modos muy utilizados en la fusión latina, como el dórico, pero se basa más en la instrumentación general y su lenguaje de rock es muy puro y clásico, con preponderancia de pentatónicas.

Boston, Jorney, Toto y otras bandas incorporan a su lenguaje el modo Jónico, que ya había sido utilizado en temas clásicos, pero que parecía ser demasiado "feliz" para el hard rock. Este modo, basado en sonidos mayores, felices y optimistas, pronto da lugar al llamado Adult Oriented Rock, o Rock A.O.R., influyendo a bandas como Heart o los propios Van Halen en discos como 5150. Es evidente que no es el único recurso utilizado por ese estilo, pero si es prácticamente el único estilo de rock no instrumental que utiliza el jónico en gran parte de sus temas. De hecho, uno de sus estandartes es el tema More Than a feeling, de los propios Boston, que se convierte en una de las referencias míticas para el AOR. Grupos como los propios Boston o Toto terminan mezclando el rock con elementos propios del pop y el jazz para generar este estilo, que en ocasiones se acerca más al Pop por la ausencia de riffs y otros elementos propios del rock.

Con Paul Gilbert y Joe Satriani el mixolidio comienza a desbancar al uso arquetípico de pentatónicas con aproximación de blues. Siendo como son dos guitarristas con un estilo muy rockero, nunca dejan de lado estas escalas, pero las incluyen dentro de la sonoridad del modo, que conserva el aire del rock, al basarse en acordes dominates (igual que el blues).

Pronto, el mixolidio pasa a ser un clásico en bandas como Mr. Big, Danger Danger, los Whitesnake de los años 80, Poison, Skid Row y muchas otras que siguen utilizando pentatónicas, pero le dan mayor importancia a las escalas mayores y los riffs basados en el modo mixolidio, sea esta su intención primordial o no.

El Dórico, modo menor con sexta mayor, también cobra importancia. Steve Vai parece romper el panorama musical con su uso masivo con Dave Lee Roth y Whitesnake y George Lynch mezcla la escala de blues con este modo, creando una escala con tensiones propias del blues rock, pero con un sonido mucho más rico y, hasta ese momento, casi desconocido. Finalmente los shredders de la época comienzan a utilizar el dórico de modo habitual junto a la pentatónica y la escala de blues.

Otros modos, como el Lidio, el Frigio Dominante... también tienen su lugar en el universo del rock, pero su importancia es más reducida o se circunscribe a guitarristas específicos o momentos puntuales en canciones. El frigio dominante es el modo más utilizado por músicos como Malmsteen mientras que el lidio se utiliza en un lenguaje de rock fusión. Lo podemos encontrar en músicos como Steve Vai o Dream Theater, pero es más extraño verlo en rock común o al uso.

El rock ha sido uno de los estilos más proclives a la experimentación. Sin embargo, muchas personas consideran que existe un "rock auténtico", algo que, lógicamente, va contra los cimientos de un estilo que se basa en trasgredir lo establecido.

Desde los años 80 en adelante, el rock parece vivir un estancamiento, pero no es cierto. Bandas que mezclan el AOR con hard rock, bandas que incluyen el rock con el neoclásico, elementos progresivos, sinfónicos... Los grupos modernos no son tan fieles al rock clásico, eso es cierto. De hecho, casi todos incorporan elementos de metal e incluso de jazz o pop, pero eso no quiere decir que no sean rock.

Allí donde veáis un riff, donde podáis escuchar la vibración de una pentatónica dentro de un pasaje dórico, una guitarra afilada con distorsión y una quinta resonando, podéis sentir la energía del rock fluír.

Como reflexión, deberíamos tratar de abrir nuestra mente y comprender que, al igual que cuando nosotros escuchamos un estilo de rock diferente podemos sentir que se "ataca" la base de aquello que amamos, nuestros padres y nuestros abuelos vieron en el rock un ataque hacia todo lo establecido.

El espíritu del rock, más importante que sus recursos y su armonía, es caminar siempre hacia delante. No podemos pretender que las bandas actuales continúen haciendo lo mismo que lo que se hacía en los años 70.

Por eso, para mantener la llama del rock viva, debemos desterrar todos esos mitos sobre lo que creemos que es el rock y comenzar a sentirlo.

Artículo realizado por Belial Báez para www.guitarristas.info

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