Os pongo una "pequeña" reseña del fabuloso disco de Cream. Tambien os adjunto a modo de anexo un par de partituras.
CREAM – DISRAELI GEARS
Puesto a la venta en Noviembre y Diciembre de 1967 en el Reino Unido y los USA respectivamente, este álbum de “Blues Psicodélico” se ha convertido en un referente socio-cultutral y sobretodo musical para un buen número de generaciones.
La historia comienza cuando el dueño de Atlantic Records, Ahmet Ertegun, ve claro que la banda debe ir a grabar a los States. Sabe que tiene una gran banda y sabe que tiene a Eric Clapton, así que decide traérselos y ponerlos bajo la tutela de uno de sus mejores productores en la época: Felix Pappalardi. La guinda del equipo es ni más ni menos que Tom Dowd como ingeniero. Con estos dos profesionales, se aseguraba un sonido impecable y, por qué no decirlo, un tanto corporativo.
El grupo era ni más ni menos que el mejor grupo jamás creado, con los mejores instrumentistas del Reino Unido: Clapton era encumbrado como un Dios por la crítica especializada y por el público y Baker y Bruce se habían labrado una reputación inigualable con grupos como el de Alexis Korner, Manfred Mann o los mismos Bluesbreakers. El primer disco de la banda (Fresh Cream) no satisfizo a Ertegun a nivel ventas y opinaba que el potencial de la banda era mucho más que el visto y sobretodo oído en el mismo.
Las cosas no empezaron muy bien. La banda tenía un visado limitado en los USA, así que todo se tenía que hacer bastante rápido. A Clapton le acababan de robar su Les Paul (la podéis oir y disfrutar en el disco de “Beano” de los Bluesbreakers de John Mayall) y los chicos no se llevaban demasiado bien con el productor, Felix Pappalardi. Imaginaos a unos músicos de la élite británica siendo corregidos por un productor yankee versado principalmente en música negra tocada por negros para la “nación más grande del mundo”. La gota que colmó el vaso fué la exclusión del disco de la canción “Lawdy Mama” un tema tradicional arreglado por Clapton. La cosa acabó en que Pappalardi (también era compositor) le puso una letra nueva más acorde con los tiempos que vivían (muy “hippie”, en la onda de Donovan y su “Season of the Witch”). Clapton aceptó poner la canción (“Strange Brew”) e incluso cantarla (Pappalardi y Ertegun querían que tomara el rol de vocalista principal en detrimento de Jack Bruce – tambien un punto de crispación durante el recording) a cambio de poner unos cuantos licks y un solo muy bluesero. Al final Clapton y los chicos se hicieron muy amigos de los estaounidenses, especialmente de Tom Dowd (que luego produciría un par de discos en solitario de Slowhand amén de un monton de álbumes relevantes en la historia de la música).
El Sonido
Gracias a la clarividencia de Pappalardi y al talento de Dowd, el sonido del disco es poco menos que redondo (para la época, claro). Se las vieron y desearon para poder ubicar en el espectro sonoro del álbum los bajos de Bruce a través de torres Marshall (acostumbrados como estaban a los “corporativos” Ampeg) que escupían líneas de bajo a punto de distorsionar y los ritmos africanos con los Toms aplicados al Blues-Rock de Ginger Baker. Con Clapton fue un poco menos difícil. Con su gipsy SG y los efectos (especialmente el Wha) que le hizo comprar Pappalardi en New York, tenían asegurado un sonido aplastante.
Los Temas
Strange Brew
Un tema pop con estructura de Blues de 12 compases. La guitarra suena afiladísima. El riff es muy bueno (ver figura 1 del anexo) porque sin salirse del blues, suena un poco al Funky del que tendría que llegar en unos años, con todas esas síncopas. Las partes solistas estan claramente inspiradas en la manera de tocar de Buddy Guy, con esos punteos asincopados y atropellados. La batería no es gran cosa aunque mantiene el groove adornándolo con los tipicos redobles de Baker. El bajo es fantástico. Las tónicas, las terceras mayores, quintas y sextas de cada acorde van rebotando por todo el tema agarrándolo y manteniéndolo a raya al cruzarse con la guitarra de Clapton. Las voces son en falsete (digo voces porque Clapton se dobla a sí mismo durante todo el tema) muy en voga en aquel entonces y la letra..bueno...Psicodelia pura y dura.
Sunshine Of Your Love
Uno de los mejores riffs en la musica moderna. Basado en la escala de blues con su quinta disminuida se presenta a nuestros oidos con un sonido muy tosco de guitarra y bajo al unísono que hace que suene aun más pesado. Las notas...más blues no puede ser. Tónica y b7 para empezar y 5, b5 y 4 para acabar con tónica , b3 (sobre el acorde de Re mayor) y tónica de nuevo, todas ellas tocadas en síncopas (ver figura 2). La segunda parte del verso pasa al cuarto grado con el mismo riff para volver a Re. El estribillo es un A / C G de toda la vida (ver figura 3). Las voces principales se las alternan Bruce (1era parte de la estrofa en D y la estrofa en G + estribillos) y un aun tímido Clapton (segunda parte de estrofa en D + estribillos). La musica es de Jack Bruce (riff principal) y Eric Clapton (estribillo). La letra es del poeta y letrista Pete Brown.
World Of Pain
Compuesta por Felix Pappalardi y su esposa Gail Collins (ellá le mató de un tiro en el 83). Muy pop, poco blues (quizá en el solo de Clapton, claro). Aqui empieza a aparecer el wha-wha. Este pedal, en aquella época era muy novedoso. Solo Hendrix y Zappa se atrevían con él asiduamente. El sonido de Slowhand aquí es, quizás, el más claro ejemplo del “woman Tone” del que ya habréis oido hablar. Se basa en bajar el tono de la pastilla de graves a tope y suena como un wha accionado y levantado del todo. Las melodías que va haciendo el bajo, sobretodo en el puente y el estribillo son magníficas y cargadas de feeling y buen gusto, dos de las infinitas virtudes musicales que atesora el bueno de Jack Bruce. Las voces vuelven a ser la mayoria en falsete. Bruce y Clapton se vuelven a repartir los honores.
Dance The Night Away
Escrita por Jack Bruce y Pete Brown (qué montón de temazos hicieron estos dos!!) habla, segun el mismo Brown, del baile como expresión máxima del cuerpo anclado en la realidad ya que en aquel entonces la mayoría de gente joven estaba colocada o muy colocada y perdía un poco el Norte. Me gusta el estribillo donde la melodia de voz ascendente se va cruzando con los voicings descendentes de la armonía del bajo y las miles de guitarras. Precioso. En este tema tenemos a Clapton tocando una Fender XII para la mayoría de las partes de guitarra, cosa no demasiado corriente en él, como la posición del La menor séptima, al modo de los Byrds y sus Rickenbackers de doce cuerdas.
Blue Condition
Compuesta por Ginger Baker, me parece la pieza más prescindible del disco. La canta él mismo y eso ya hace que pierda muchos puntos. Suena “bluessy”, pero tambien suena a canción de Saloon bajada de revoluciones. No tiene muchos cambios y se apoya casi todo el tiempo en el riff y la melodía principal, que dicho sea ya de paso me parece un poco floja. La letra es de lo peor del disco. Todo el tema acaba sonando repetitivo y no ves el momento en que se acabe.
Tales Of Brave Ulysses
Está firmada por Clapton y Martin Sharp, un diseñador australiano y trotamundos vecino de Eric en aquella época (compartían ligues, concretamente un groupie francesita, por aquel entonces novia de EC) y responsable de la "fluorescente" portada del disco. Sharp le escribió la letra en una servilleta a Slowhand pensando en una canción de Leonard Cohen, Clapton la llevó al estudio y ahí mismo la montaron. Al parecer las islas a las que hace referencia la canción son ni mas ni menos que Ibiza y Formentera (Cuna del hippismo mediterráneo que se llenaba los veranos de foráneos – más o menos como ahora, supongo). El tema empieza con la progresión principal de acordes (ver figura 4) que tambien oiríamos luego en “White Room” basados en “While My Guitar Gently Weeps” de George Harrison para el Album Blanco de los Beatles. Enseguida la voz de Jack Bruce:
“You thought the leaden winter would bring you down forever, but you rode upon a steamer to the violence of the sun.” Antes de las dos frases, Clapton suelta un par de notas muy suaves con ese whawha fantástico y al acabarlas un cierre de caja en el cuarto tiempo da paso al tremendo tema. El gomoso bajo de Bruce une todas las notas que Eric va haciendo con los voluntariosos toms de Ginger Baker. Es casi perfecto. El solo de guitarra es de los mejores del disco y para mí, uno de los mejores de Clapton.
SWLABR (She walks like a bearded rainbow)
Buenísimo. Sale de la pluma y el talento de Jack Bruce y Pete Brown de nuevo. La letra roza casi el Dadaísmo y la música es divertidísima. La voz de Bruce está soberbia y la guitarra de Clapton (de nuevo con el “woman tone”) le hace las mil y una réplicas. El riff principal (ver figura 5) vuelve a estar basada en el blues más puro aunque rebozado de esa especie “fuzz” que le sacaba Clapton a los Marshall. Los redobles de Ginger Baker, así como el groove general son más pizpiretos y saltarines que en los anteriores temas, tambien porque la pieza lo pide a gritos, pero sabe como hacerlo sonar, el tío. Gran canción.
We´re Going Wrong
Para mí, una de las joyas del LP y quizás mi tema favorito. Escrito íntegramente por Jack Bruce a raíz de una pelea con su mujer, esta canción contiene una serie de características que hacen de ella algo único. A saber: La voz casi lírica de Jack, muy inspirada, va tejiendo las sílabas y las notas dentro de un compás ternario y casi que te transporta dentro de su cabeza.. Son palabras y notas simples cargadas de mucha emoción. La guitarra no es nada del otro mundo, pero sí que representa un cambio en la disposición de las notas en los acordes a los que Clapton tenía acostumbrado al respetable. El verdadero secreto de este tema es la batería de Ginger Baker. Con baquetas acabadas en maza, va repartiendo corcheas y semicorcheas a lo largo de un compás de ¾ que los otros dos mantienen a blancas con punto. Esto crea una sensación de velocidad contenida muy difícil de conseguir. Sensacional. El tema parece que no llega nunca al cénit; no hay una parte más importante que la otra, sube, baja, vuelve a subir, pero no va a ningun lado. Como la letra. Dice muchas cosas pero no como una sentencia, sinó por el simple hecho de decirlas por necesidad. Letra y musica estan perfectamente compenetradas. Un 10.
Outside Woman Blues
Blind Joe Reynolds compuso este blues y EC lo arreglo para la banda. Se basa en un riff de otro famoso blues (lo siento pero ahora mismo no recuerdo cual) y el tema tratado en la letra era de los preferidos de Clapton: mujeres, depresión, celos....El tema es muy correcto: buen arreglo, mejor ejecución, feeling saliendoles de las orejas a los tres y un solo muy a la altura de Eric en esa época.
Take It Back
Musica de Jack Bruce y letra del mismo Jack y Pete Brown. Habla sobre las protestas en los USA de los jóvenes que no querian ir a la guerra. A Bruce le impresionó las hordas de púberes americanos quemando sus cartillas de alistamiento. Tampoco es que se mojaran mucho con el tema, pero era más de lo que hacían muchos músicos yankees entonces. Un ritmo “shuffle” nos descubre la pericia de Jack tocándo la armónica (el tío era un virtuoso poli instrumentista que le sacaba el mismo partido a un contrabajo que a una guitarra, un cello o al piano).
Mother´s Lament
Canción tradicional arreglada por el trío y Pappalardi. Es simpática. Me mola el acento ultra -inglés – cerrado con el que interpretan el tema. Jack Bruce al piano y todos a cantar.
Lo siento por el tocho, pero es que me he flipado.
P.S. No me deja colgar las partituras, así que las colgaré en la sección de transcripciones.
CREAM – DISRAELI GEARS
Puesto a la venta en Noviembre y Diciembre de 1967 en el Reino Unido y los USA respectivamente, este álbum de “Blues Psicodélico” se ha convertido en un referente socio-cultutral y sobretodo musical para un buen número de generaciones.
La historia comienza cuando el dueño de Atlantic Records, Ahmet Ertegun, ve claro que la banda debe ir a grabar a los States. Sabe que tiene una gran banda y sabe que tiene a Eric Clapton, así que decide traérselos y ponerlos bajo la tutela de uno de sus mejores productores en la época: Felix Pappalardi. La guinda del equipo es ni más ni menos que Tom Dowd como ingeniero. Con estos dos profesionales, se aseguraba un sonido impecable y, por qué no decirlo, un tanto corporativo.
El grupo era ni más ni menos que el mejor grupo jamás creado, con los mejores instrumentistas del Reino Unido: Clapton era encumbrado como un Dios por la crítica especializada y por el público y Baker y Bruce se habían labrado una reputación inigualable con grupos como el de Alexis Korner, Manfred Mann o los mismos Bluesbreakers. El primer disco de la banda (Fresh Cream) no satisfizo a Ertegun a nivel ventas y opinaba que el potencial de la banda era mucho más que el visto y sobretodo oído en el mismo.
Las cosas no empezaron muy bien. La banda tenía un visado limitado en los USA, así que todo se tenía que hacer bastante rápido. A Clapton le acababan de robar su Les Paul (la podéis oir y disfrutar en el disco de “Beano” de los Bluesbreakers de John Mayall) y los chicos no se llevaban demasiado bien con el productor, Felix Pappalardi. Imaginaos a unos músicos de la élite británica siendo corregidos por un productor yankee versado principalmente en música negra tocada por negros para la “nación más grande del mundo”. La gota que colmó el vaso fué la exclusión del disco de la canción “Lawdy Mama” un tema tradicional arreglado por Clapton. La cosa acabó en que Pappalardi (también era compositor) le puso una letra nueva más acorde con los tiempos que vivían (muy “hippie”, en la onda de Donovan y su “Season of the Witch”). Clapton aceptó poner la canción (“Strange Brew”) e incluso cantarla (Pappalardi y Ertegun querían que tomara el rol de vocalista principal en detrimento de Jack Bruce – tambien un punto de crispación durante el recording) a cambio de poner unos cuantos licks y un solo muy bluesero. Al final Clapton y los chicos se hicieron muy amigos de los estaounidenses, especialmente de Tom Dowd (que luego produciría un par de discos en solitario de Slowhand amén de un monton de álbumes relevantes en la historia de la música).
El Sonido
Gracias a la clarividencia de Pappalardi y al talento de Dowd, el sonido del disco es poco menos que redondo (para la época, claro). Se las vieron y desearon para poder ubicar en el espectro sonoro del álbum los bajos de Bruce a través de torres Marshall (acostumbrados como estaban a los “corporativos” Ampeg) que escupían líneas de bajo a punto de distorsionar y los ritmos africanos con los Toms aplicados al Blues-Rock de Ginger Baker. Con Clapton fue un poco menos difícil. Con su gipsy SG y los efectos (especialmente el Wha) que le hizo comprar Pappalardi en New York, tenían asegurado un sonido aplastante.
Los Temas
Strange Brew
Un tema pop con estructura de Blues de 12 compases. La guitarra suena afiladísima. El riff es muy bueno (ver figura 1 del anexo) porque sin salirse del blues, suena un poco al Funky del que tendría que llegar en unos años, con todas esas síncopas. Las partes solistas estan claramente inspiradas en la manera de tocar de Buddy Guy, con esos punteos asincopados y atropellados. La batería no es gran cosa aunque mantiene el groove adornándolo con los tipicos redobles de Baker. El bajo es fantástico. Las tónicas, las terceras mayores, quintas y sextas de cada acorde van rebotando por todo el tema agarrándolo y manteniéndolo a raya al cruzarse con la guitarra de Clapton. Las voces son en falsete (digo voces porque Clapton se dobla a sí mismo durante todo el tema) muy en voga en aquel entonces y la letra..bueno...Psicodelia pura y dura.
Sunshine Of Your Love
Uno de los mejores riffs en la musica moderna. Basado en la escala de blues con su quinta disminuida se presenta a nuestros oidos con un sonido muy tosco de guitarra y bajo al unísono que hace que suene aun más pesado. Las notas...más blues no puede ser. Tónica y b7 para empezar y 5, b5 y 4 para acabar con tónica , b3 (sobre el acorde de Re mayor) y tónica de nuevo, todas ellas tocadas en síncopas (ver figura 2). La segunda parte del verso pasa al cuarto grado con el mismo riff para volver a Re. El estribillo es un A / C G de toda la vida (ver figura 3). Las voces principales se las alternan Bruce (1era parte de la estrofa en D y la estrofa en G + estribillos) y un aun tímido Clapton (segunda parte de estrofa en D + estribillos). La musica es de Jack Bruce (riff principal) y Eric Clapton (estribillo). La letra es del poeta y letrista Pete Brown.
World Of Pain
Compuesta por Felix Pappalardi y su esposa Gail Collins (ellá le mató de un tiro en el 83). Muy pop, poco blues (quizá en el solo de Clapton, claro). Aqui empieza a aparecer el wha-wha. Este pedal, en aquella época era muy novedoso. Solo Hendrix y Zappa se atrevían con él asiduamente. El sonido de Slowhand aquí es, quizás, el más claro ejemplo del “woman Tone” del que ya habréis oido hablar. Se basa en bajar el tono de la pastilla de graves a tope y suena como un wha accionado y levantado del todo. Las melodías que va haciendo el bajo, sobretodo en el puente y el estribillo son magníficas y cargadas de feeling y buen gusto, dos de las infinitas virtudes musicales que atesora el bueno de Jack Bruce. Las voces vuelven a ser la mayoria en falsete. Bruce y Clapton se vuelven a repartir los honores.
Dance The Night Away
Escrita por Jack Bruce y Pete Brown (qué montón de temazos hicieron estos dos!!) habla, segun el mismo Brown, del baile como expresión máxima del cuerpo anclado en la realidad ya que en aquel entonces la mayoría de gente joven estaba colocada o muy colocada y perdía un poco el Norte. Me gusta el estribillo donde la melodia de voz ascendente se va cruzando con los voicings descendentes de la armonía del bajo y las miles de guitarras. Precioso. En este tema tenemos a Clapton tocando una Fender XII para la mayoría de las partes de guitarra, cosa no demasiado corriente en él, como la posición del La menor séptima, al modo de los Byrds y sus Rickenbackers de doce cuerdas.
Blue Condition
Compuesta por Ginger Baker, me parece la pieza más prescindible del disco. La canta él mismo y eso ya hace que pierda muchos puntos. Suena “bluessy”, pero tambien suena a canción de Saloon bajada de revoluciones. No tiene muchos cambios y se apoya casi todo el tiempo en el riff y la melodía principal, que dicho sea ya de paso me parece un poco floja. La letra es de lo peor del disco. Todo el tema acaba sonando repetitivo y no ves el momento en que se acabe.
Tales Of Brave Ulysses
Está firmada por Clapton y Martin Sharp, un diseñador australiano y trotamundos vecino de Eric en aquella época (compartían ligues, concretamente un groupie francesita, por aquel entonces novia de EC) y responsable de la "fluorescente" portada del disco. Sharp le escribió la letra en una servilleta a Slowhand pensando en una canción de Leonard Cohen, Clapton la llevó al estudio y ahí mismo la montaron. Al parecer las islas a las que hace referencia la canción son ni mas ni menos que Ibiza y Formentera (Cuna del hippismo mediterráneo que se llenaba los veranos de foráneos – más o menos como ahora, supongo). El tema empieza con la progresión principal de acordes (ver figura 4) que tambien oiríamos luego en “White Room” basados en “While My Guitar Gently Weeps” de George Harrison para el Album Blanco de los Beatles. Enseguida la voz de Jack Bruce:
“You thought the leaden winter would bring you down forever, but you rode upon a steamer to the violence of the sun.” Antes de las dos frases, Clapton suelta un par de notas muy suaves con ese whawha fantástico y al acabarlas un cierre de caja en el cuarto tiempo da paso al tremendo tema. El gomoso bajo de Bruce une todas las notas que Eric va haciendo con los voluntariosos toms de Ginger Baker. Es casi perfecto. El solo de guitarra es de los mejores del disco y para mí, uno de los mejores de Clapton.
SWLABR (She walks like a bearded rainbow)
Buenísimo. Sale de la pluma y el talento de Jack Bruce y Pete Brown de nuevo. La letra roza casi el Dadaísmo y la música es divertidísima. La voz de Bruce está soberbia y la guitarra de Clapton (de nuevo con el “woman tone”) le hace las mil y una réplicas. El riff principal (ver figura 5) vuelve a estar basada en el blues más puro aunque rebozado de esa especie “fuzz” que le sacaba Clapton a los Marshall. Los redobles de Ginger Baker, así como el groove general son más pizpiretos y saltarines que en los anteriores temas, tambien porque la pieza lo pide a gritos, pero sabe como hacerlo sonar, el tío. Gran canción.
We´re Going Wrong
Para mí, una de las joyas del LP y quizás mi tema favorito. Escrito íntegramente por Jack Bruce a raíz de una pelea con su mujer, esta canción contiene una serie de características que hacen de ella algo único. A saber: La voz casi lírica de Jack, muy inspirada, va tejiendo las sílabas y las notas dentro de un compás ternario y casi que te transporta dentro de su cabeza.. Son palabras y notas simples cargadas de mucha emoción. La guitarra no es nada del otro mundo, pero sí que representa un cambio en la disposición de las notas en los acordes a los que Clapton tenía acostumbrado al respetable. El verdadero secreto de este tema es la batería de Ginger Baker. Con baquetas acabadas en maza, va repartiendo corcheas y semicorcheas a lo largo de un compás de ¾ que los otros dos mantienen a blancas con punto. Esto crea una sensación de velocidad contenida muy difícil de conseguir. Sensacional. El tema parece que no llega nunca al cénit; no hay una parte más importante que la otra, sube, baja, vuelve a subir, pero no va a ningun lado. Como la letra. Dice muchas cosas pero no como una sentencia, sinó por el simple hecho de decirlas por necesidad. Letra y musica estan perfectamente compenetradas. Un 10.
Outside Woman Blues
Blind Joe Reynolds compuso este blues y EC lo arreglo para la banda. Se basa en un riff de otro famoso blues (lo siento pero ahora mismo no recuerdo cual) y el tema tratado en la letra era de los preferidos de Clapton: mujeres, depresión, celos....El tema es muy correcto: buen arreglo, mejor ejecución, feeling saliendoles de las orejas a los tres y un solo muy a la altura de Eric en esa época.
Take It Back
Musica de Jack Bruce y letra del mismo Jack y Pete Brown. Habla sobre las protestas en los USA de los jóvenes que no querian ir a la guerra. A Bruce le impresionó las hordas de púberes americanos quemando sus cartillas de alistamiento. Tampoco es que se mojaran mucho con el tema, pero era más de lo que hacían muchos músicos yankees entonces. Un ritmo “shuffle” nos descubre la pericia de Jack tocándo la armónica (el tío era un virtuoso poli instrumentista que le sacaba el mismo partido a un contrabajo que a una guitarra, un cello o al piano).
Mother´s Lament
Canción tradicional arreglada por el trío y Pappalardi. Es simpática. Me mola el acento ultra -inglés – cerrado con el que interpretan el tema. Jack Bruce al piano y todos a cantar.
Lo siento por el tocho, pero es que me he flipado.
P.S. No me deja colgar las partituras, así que las colgaré en la sección de transcripciones.
). Yo personalmente uso las dos pastillas, es decir, en una Les Paul, pongo el selector en el medio, teniendo que poner por tanto ambos controles de tono a 0.
