#11 A ver si mañana por la noche tengo un poco de tiempo para contestarte y ayudarte en lo que pueda. Te tendré que dar una respuesta un poco larga pero quizá te pueda servir.
Improvisar: ¿Pensar en acordes y no en escalas?
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#13 Muchas gracias astrako, cuando tu puedas, no te preocupes, se agradece muchísimo, saludos!!!
Hola de nuevo, voy a intentar explicar un poco como veo yo el asunto de la impro melódica (hay otros tipos de improvisación, no solo un solista que inventa melodías sobre un acompañamiento) y, con suerte, te puedo ayudar un poco.
Lo primero que te quería decir es que, según mi opinión, la enseñanza y los improvisadores en general dan muchísma importancia a las notas, a la teoría sistemática que nos permite determinar las notas "correctas" sobre un acorde dado enmarcado en una tonalidad. Por supuesto que esto tiene su importancia pero no creo que tanta. Cuando nos enseñan música generalmente se insiste en tres puntos: técnica, notas e interpretación. Pero hay más elementos que tienen igual o incluso más importancia de estos. Por eso, focalizar la impro en acordes, escalas o la combinación de ambas tiene su importancia, pero ésta es relativa. No hay que obsesionarse con ésto porque la esencia de la impro no reside aquí.
A continuación enumeraré y describiré una serie de ítems en forma de escalera. Esta focalización parte de un peldaño y no se puede subir al siguiente hasta que no se haya asimilado el peldaño anterior. Cada uno de estos elementos tiene igual importancia. La escalera culmina en el parámetro más importante y sintetiza y contiene todos los anteriores: Escuchar. Pero, como dijo Jack el destripador, vayamos por partes:
1. Relajación Sin este primer paso todo lo demás no servirá de nada. La relajación se basa en tres pilares: respiración (como respiras: tiene que ver con el fraseo y sólo lo trabajan explicitamente los instrumentos de viento), postura y utilización de la fuerza de la gravedad. La relajación se basa en pensar que la fuerza y el volumen no es igual a la tensión. El tono de tu instrumento está en tu mente, no en tus dedos. Además tenemos que producir una nota que haga vibrar el aire que contiene un espacio de un modo óptimo. Así que hay que "flotar" "fluir" utilizar la gravedad.
2. Tiempo/ritmo Esto es la madre del cordero. Por muchas escalas que sepas, por mucha teoría y memoria que puedas poseer, como no vayas a tiempo es como no saber nada. La música, como el cine, es un arte del tiempo. Alcanzar a tener un buen tiempo interior, interiorizar los patrones rítmicos y trabajar este aspecto es fundamental. Toques lo que toques, juega con el tiempo y demuestra que estás dentro. Es, creo, la única características que poseen todos los buenos improvisadores de cualquier cultura mundial. El dominio absoluto del tiempo. Aquí hay un forero que en las jams comunitarias suele decir: dame tiempo y llámame tonto. Pues eso. Este aspecto hay que trabajarlo muy duramente.
3. Silencio Para que la impro camine y sorprenda y baile y tome caminos inexperados nada como el dominio del silencio. Ten en cuenta que los demás instrumentos tocan contigo (sobre todo batería y bajo). Dejarles espacio, dejar hueco para que todos los intrumentos participen es fundamental. Si consigues esto, consigues también que otros músicos deseen tocar contigo porque demuestras que te gusta que participen y que los estás escuchando. También acuérdate de hacer sonar el silencio (valga la contradicción). El silencio suena y tiene una duración determinada y justa, es más, podemos considerar que es una nota tan válida como un Do o una Mi. Escucha atentamente al bajo y la batería y únete a ellos.
4. Dinámica No es lo mismo susurrar que dialogar que gritar. El dominio de la dinámica es uno de los grandes secretos de un gran solo. Muchas veces, cuando improvisas la base puede bajar la dinámica contigo y luego subirla de nuevo y entrar en riff y verás como el público se levanta a aplaudir. Cuando susurras el oyente se acerca, cuando gritas se aleja, cuando dialógas la haces participar. Las mismas palabras dichas a diferente volumen pueden alcanzar significados totalmente diferente. Aquí el secreto también reside en que cuando haya mucha variación dinámica el tempo o el pulso siga siendo el mismo. No es fácil. Te lo aseguro.
5 Notas Ahora sí, las notas, escalas, acordes, consonancia, disonancia, como estudio las escalas, etc. Bueno, lo primero es que cuando te enfrentas a una impro dispones de 12 notas más el silencio, entonces, ¿Qué notas puedo usar para mi impro? Pues eso, todas y cada una de ellas. Las notas están ahí, ¿Por qué tengo que prescindir de alguna de ellas? Por tanto, la escala más importante de todas es la cromática y no tiene que empezar necesariamente por la tónica. La cuestión es tocar la escala cromática y reflexionar sobre que efecto produce cada una de las notas sobre ese acorde. Aquí llegamos, claro, a los intervalos. ¿Cómo suena cada uno de los intervalos contra un acorde? ¿Los coloco en el tiempo fuerte o en el débil? ¿Dónde empiezo? ¿Dónde acabo? El ejercicio que recomiendo es coger una base sobre un acorde fijo y hacer un esquema y escribir tus impresiones y como queda cada nota sobre la impro: ¿Es estática? ¿Crea tensión? ¿Es disonante? ¿Estoy cómo cuando suena? Puedes hacer un dibujo de una regla, como la de los niños que llevan al cole. Coger una escala de metro, en medio irá la tónica, abajo la séptima mayor, menor, sexta mayor, etc. Arriba, de forma equidistante, la segunda menor, la mayor, etc. Luego puedes usar colores y apuntar al lado tus impresiones o anotaciones sobre la nota. Puedes empezar la impro usando solo la tónica, la segunda menor y su inversión, la séptima mayor y luego ir incluyendo más notas. Puedes hacer una impro usando la escala cromática obligatoriamente por semitonos y jugando con el tiempo, la dinámica, el silencio y acostumbrando a los dedos a caer en notas deseadas y utilizar las otras en tiempos débiles como notas de paso.
El otro punto es: ¿Cómo estudio una escala? Bueno, podemos decir que una escala es un color y tiene unas notas características que la definen y la diferencian de otra. La escala se estudia, primero, reconociéndola auditivamente, haciendo sonar ese color característico que la describe. Y ¿Cómo lo hacemos? Pues si queremos empezar por los modos (lo suyo sería primero las triadas, luego las cuatriadas y más tarde las pentatónicas) cogemos una nota pedal. Como tocas el piano lo tienes fácil. Si no también tienes un programa como éste:
http://www.dronetonetool.com/
Dejas una nota pedal y empiezas a tocar melodías basadas en cada modo de la escala mayor. Empezamos por el más brillante y acabamos por el más oscuro, esto es, lidia, jónico, mixo, dórico, eólico, frígio y lócrio. Y así todos los días un ratito. Luego escuchamos música que nos guste y intentamos saber sobre qué escala está tocando sólo de oído. Y te prometo que al de poco tiempo oirás un tema en que se toca una tercera, una séptima mayor y luego un tritono sobre un Maj7 y reconocerás inmediatamente que se está tocando en lidio.
Para mí esta es la interiorización de la escala. Después ejercicios de subidas por terceras, por cuartas, notas al unísono por sextas, tocar la triada de cada grado de la escala, etc. Pero lo importante es el canto y reconocimiento de melodías en esa escala. Lo mismo para diferenciar pentas mayores o menores y lo mismo para los modos de la menor melódica y de la armónica.
6. Articulación Cada nota, como la vida, tiene un nacimiento, un desarrollo y una muerte. ¿Cómo se inicia la nota? ¿De donde viene? ¿Cuanto dura? ¿Como muere? La misma melodía tocada en legato que en staccato adquiere un significado diferente. El nacimiento de la nota se llama ataque y la muerte su decaimiento. Tienes también articulación en la intensidad de la nota.
7. tono/sonido ¿Cómo quiero sonar? ¿Qué sonido me gustaría encontrar? ¿Qué hago para conseguirlo? El tono puede llegar a ser un verdadero quebradero de cabeza. Intervienen tus dedos o tu forma de soplar, aparatos electrónicos, etc
8. Técnica. Bueno, pues hay técnicas que son típicas del instrumento y están consolidadas y otras que son una necesidad tuya y las tienes que inventar. Un armónico por aquí, un ligero y sofisticado taping por allá, rasgueo, percuto, ligo, trino, etc. Decía Manolo San Lucar, un guitarrista flamenco, que la técnica es para quien la necesita.
Por último, siempre que ensayes técnica ponla en un contexto e intenta hablar o pensar en otra cosa mientras la ejecutas, como si fuera algo que te sale natural y sin forzar. Y eso, siempre en contexto.
9. Fraseo Aquí interviene lo de las escalas y los acordes de nuevo. Las escalas son colores, los arpegios son notas del acorde, son los colores más básicos y como separados. Pues bien, ni tus melodías son escalas ni arpegios aunque los contengan. Ponemos el acompañamiento, y qué improvisamos?, pues lo que cantamos o susurramos y tenemos en la cabeza y el corazón. Cuando se improvisa no se toca una escala, se toca una melodía. Una melodía hay que respirarla, soltarla fluida y hacer que esté en relación. Las melodías cobran sentido si están divididas en frases que interaccionan entre sí.
10. Comunicación/feeling La música es un lenguaje que expresa sobre todo sentimientos y emociones. Todo tu bagaje auditivo, tu educación sentimental, tu experiencia, tus sentimientos y los ajenos deben estar detrás de tu forma de tocar. Prueba a tocar unas frases mecánicamente y tras ello hazlo centrándote en la emoción y el estado de ánimo que quieres transmitir. Hay que acostumbrarse a dedicarle un tiempo a tocar expresando y comunicando. Para ello es muy bueno tocar con los ojos cerrados, concentrándote en sentir y expresar y olvidándote completamente de las notas por las que pasas.
11. Me dejo algunas cosas en el tintero como por ejemplo estructuro o estilo/género, pero lo más básico es esto. Así que por fin hemos recorrido nuestra escalera. La relajación da paso al ritmo y al silencio, tras estos aspectos llegamos a la dinámica, las notas y la articulación de estas notas. Cuando ya hemos subido estos escalones seguimos subiendo por el tono, la técnica el fraseo y la forma en que comunicamos nuestro discurso. Y así hemos llegado a nuestra meta, el último paso que lo resume todo:
12. ESCUCHAR Escucha a tus personas más cercanas, escucha como suena tu entorno, escucha a los otros músicos o intrumentos con quien tocas. Escucha y reflexiona sobre lo que oyes. Es una de las bases para construir una vida basada en un proyecto de felicidad. Uno tiene dos orejas, una es para tu instrumento, la otra es para los demas. Escucha música, toda la que puedas, sin discriminar, sin dividir en géneros ni especies. Escucha y escucha, con la práctica cada vez lo haras mejor, recogerás más matices, diferenciarás las alturas, las podrás clasificar. Si partimos de la base de que tocamos lo que escuchamos en nuestra cabeza y en nuestro corazón, todo lo que oigamos influenciará mucho esa música interior, única, que nos define y que poseemos cada uno de nosotros.
Por último, todo esto sobre lo que he escrito está basado en un vídeo didáctico del bajista VIctro Wooten. Se llama: "Victor Wooten: Groove workshop". Está destinado a bajistas pero sirve para cualquier instrumento. Te lo recomiendo vivamente. Cuesta cada centavo de lo que vale y es verdaderamente inspirador. Si tienes problemas para encontrarlo mándame un privado y vemos como lo puedo compartir contigo.
Espero que te haya servido.
Lo primero que te quería decir es que, según mi opinión, la enseñanza y los improvisadores en general dan muchísma importancia a las notas, a la teoría sistemática que nos permite determinar las notas "correctas" sobre un acorde dado enmarcado en una tonalidad. Por supuesto que esto tiene su importancia pero no creo que tanta. Cuando nos enseñan música generalmente se insiste en tres puntos: técnica, notas e interpretación. Pero hay más elementos que tienen igual o incluso más importancia de estos. Por eso, focalizar la impro en acordes, escalas o la combinación de ambas tiene su importancia, pero ésta es relativa. No hay que obsesionarse con ésto porque la esencia de la impro no reside aquí.
A continuación enumeraré y describiré una serie de ítems en forma de escalera. Esta focalización parte de un peldaño y no se puede subir al siguiente hasta que no se haya asimilado el peldaño anterior. Cada uno de estos elementos tiene igual importancia. La escalera culmina en el parámetro más importante y sintetiza y contiene todos los anteriores: Escuchar. Pero, como dijo Jack el destripador, vayamos por partes:
1. Relajación Sin este primer paso todo lo demás no servirá de nada. La relajación se basa en tres pilares: respiración (como respiras: tiene que ver con el fraseo y sólo lo trabajan explicitamente los instrumentos de viento), postura y utilización de la fuerza de la gravedad. La relajación se basa en pensar que la fuerza y el volumen no es igual a la tensión. El tono de tu instrumento está en tu mente, no en tus dedos. Además tenemos que producir una nota que haga vibrar el aire que contiene un espacio de un modo óptimo. Así que hay que "flotar" "fluir" utilizar la gravedad.
2. Tiempo/ritmo Esto es la madre del cordero. Por muchas escalas que sepas, por mucha teoría y memoria que puedas poseer, como no vayas a tiempo es como no saber nada. La música, como el cine, es un arte del tiempo. Alcanzar a tener un buen tiempo interior, interiorizar los patrones rítmicos y trabajar este aspecto es fundamental. Toques lo que toques, juega con el tiempo y demuestra que estás dentro. Es, creo, la única características que poseen todos los buenos improvisadores de cualquier cultura mundial. El dominio absoluto del tiempo. Aquí hay un forero que en las jams comunitarias suele decir: dame tiempo y llámame tonto. Pues eso. Este aspecto hay que trabajarlo muy duramente.
3. Silencio Para que la impro camine y sorprenda y baile y tome caminos inexperados nada como el dominio del silencio. Ten en cuenta que los demás instrumentos tocan contigo (sobre todo batería y bajo). Dejarles espacio, dejar hueco para que todos los intrumentos participen es fundamental. Si consigues esto, consigues también que otros músicos deseen tocar contigo porque demuestras que te gusta que participen y que los estás escuchando. También acuérdate de hacer sonar el silencio (valga la contradicción). El silencio suena y tiene una duración determinada y justa, es más, podemos considerar que es una nota tan válida como un Do o una Mi. Escucha atentamente al bajo y la batería y únete a ellos.
4. Dinámica No es lo mismo susurrar que dialogar que gritar. El dominio de la dinámica es uno de los grandes secretos de un gran solo. Muchas veces, cuando improvisas la base puede bajar la dinámica contigo y luego subirla de nuevo y entrar en riff y verás como el público se levanta a aplaudir. Cuando susurras el oyente se acerca, cuando gritas se aleja, cuando dialógas la haces participar. Las mismas palabras dichas a diferente volumen pueden alcanzar significados totalmente diferente. Aquí el secreto también reside en que cuando haya mucha variación dinámica el tempo o el pulso siga siendo el mismo. No es fácil. Te lo aseguro.
5 Notas Ahora sí, las notas, escalas, acordes, consonancia, disonancia, como estudio las escalas, etc. Bueno, lo primero es que cuando te enfrentas a una impro dispones de 12 notas más el silencio, entonces, ¿Qué notas puedo usar para mi impro? Pues eso, todas y cada una de ellas. Las notas están ahí, ¿Por qué tengo que prescindir de alguna de ellas? Por tanto, la escala más importante de todas es la cromática y no tiene que empezar necesariamente por la tónica. La cuestión es tocar la escala cromática y reflexionar sobre que efecto produce cada una de las notas sobre ese acorde. Aquí llegamos, claro, a los intervalos. ¿Cómo suena cada uno de los intervalos contra un acorde? ¿Los coloco en el tiempo fuerte o en el débil? ¿Dónde empiezo? ¿Dónde acabo? El ejercicio que recomiendo es coger una base sobre un acorde fijo y hacer un esquema y escribir tus impresiones y como queda cada nota sobre la impro: ¿Es estática? ¿Crea tensión? ¿Es disonante? ¿Estoy cómo cuando suena? Puedes hacer un dibujo de una regla, como la de los niños que llevan al cole. Coger una escala de metro, en medio irá la tónica, abajo la séptima mayor, menor, sexta mayor, etc. Arriba, de forma equidistante, la segunda menor, la mayor, etc. Luego puedes usar colores y apuntar al lado tus impresiones o anotaciones sobre la nota. Puedes empezar la impro usando solo la tónica, la segunda menor y su inversión, la séptima mayor y luego ir incluyendo más notas. Puedes hacer una impro usando la escala cromática obligatoriamente por semitonos y jugando con el tiempo, la dinámica, el silencio y acostumbrando a los dedos a caer en notas deseadas y utilizar las otras en tiempos débiles como notas de paso.
El otro punto es: ¿Cómo estudio una escala? Bueno, podemos decir que una escala es un color y tiene unas notas características que la definen y la diferencian de otra. La escala se estudia, primero, reconociéndola auditivamente, haciendo sonar ese color característico que la describe. Y ¿Cómo lo hacemos? Pues si queremos empezar por los modos (lo suyo sería primero las triadas, luego las cuatriadas y más tarde las pentatónicas) cogemos una nota pedal. Como tocas el piano lo tienes fácil. Si no también tienes un programa como éste:
http://www.dronetonetool.com/
Dejas una nota pedal y empiezas a tocar melodías basadas en cada modo de la escala mayor. Empezamos por el más brillante y acabamos por el más oscuro, esto es, lidia, jónico, mixo, dórico, eólico, frígio y lócrio. Y así todos los días un ratito. Luego escuchamos música que nos guste y intentamos saber sobre qué escala está tocando sólo de oído. Y te prometo que al de poco tiempo oirás un tema en que se toca una tercera, una séptima mayor y luego un tritono sobre un Maj7 y reconocerás inmediatamente que se está tocando en lidio.
Para mí esta es la interiorización de la escala. Después ejercicios de subidas por terceras, por cuartas, notas al unísono por sextas, tocar la triada de cada grado de la escala, etc. Pero lo importante es el canto y reconocimiento de melodías en esa escala. Lo mismo para diferenciar pentas mayores o menores y lo mismo para los modos de la menor melódica y de la armónica.
6. Articulación Cada nota, como la vida, tiene un nacimiento, un desarrollo y una muerte. ¿Cómo se inicia la nota? ¿De donde viene? ¿Cuanto dura? ¿Como muere? La misma melodía tocada en legato que en staccato adquiere un significado diferente. El nacimiento de la nota se llama ataque y la muerte su decaimiento. Tienes también articulación en la intensidad de la nota.
7. tono/sonido ¿Cómo quiero sonar? ¿Qué sonido me gustaría encontrar? ¿Qué hago para conseguirlo? El tono puede llegar a ser un verdadero quebradero de cabeza. Intervienen tus dedos o tu forma de soplar, aparatos electrónicos, etc
8. Técnica. Bueno, pues hay técnicas que son típicas del instrumento y están consolidadas y otras que son una necesidad tuya y las tienes que inventar. Un armónico por aquí, un ligero y sofisticado taping por allá, rasgueo, percuto, ligo, trino, etc. Decía Manolo San Lucar, un guitarrista flamenco, que la técnica es para quien la necesita.
Por último, siempre que ensayes técnica ponla en un contexto e intenta hablar o pensar en otra cosa mientras la ejecutas, como si fuera algo que te sale natural y sin forzar. Y eso, siempre en contexto.
9. Fraseo Aquí interviene lo de las escalas y los acordes de nuevo. Las escalas son colores, los arpegios son notas del acorde, son los colores más básicos y como separados. Pues bien, ni tus melodías son escalas ni arpegios aunque los contengan. Ponemos el acompañamiento, y qué improvisamos?, pues lo que cantamos o susurramos y tenemos en la cabeza y el corazón. Cuando se improvisa no se toca una escala, se toca una melodía. Una melodía hay que respirarla, soltarla fluida y hacer que esté en relación. Las melodías cobran sentido si están divididas en frases que interaccionan entre sí.
10. Comunicación/feeling La música es un lenguaje que expresa sobre todo sentimientos y emociones. Todo tu bagaje auditivo, tu educación sentimental, tu experiencia, tus sentimientos y los ajenos deben estar detrás de tu forma de tocar. Prueba a tocar unas frases mecánicamente y tras ello hazlo centrándote en la emoción y el estado de ánimo que quieres transmitir. Hay que acostumbrarse a dedicarle un tiempo a tocar expresando y comunicando. Para ello es muy bueno tocar con los ojos cerrados, concentrándote en sentir y expresar y olvidándote completamente de las notas por las que pasas.
11. Me dejo algunas cosas en el tintero como por ejemplo estructuro o estilo/género, pero lo más básico es esto. Así que por fin hemos recorrido nuestra escalera. La relajación da paso al ritmo y al silencio, tras estos aspectos llegamos a la dinámica, las notas y la articulación de estas notas. Cuando ya hemos subido estos escalones seguimos subiendo por el tono, la técnica el fraseo y la forma en que comunicamos nuestro discurso. Y así hemos llegado a nuestra meta, el último paso que lo resume todo:
12. ESCUCHAR Escucha a tus personas más cercanas, escucha como suena tu entorno, escucha a los otros músicos o intrumentos con quien tocas. Escucha y reflexiona sobre lo que oyes. Es una de las bases para construir una vida basada en un proyecto de felicidad. Uno tiene dos orejas, una es para tu instrumento, la otra es para los demas. Escucha música, toda la que puedas, sin discriminar, sin dividir en géneros ni especies. Escucha y escucha, con la práctica cada vez lo haras mejor, recogerás más matices, diferenciarás las alturas, las podrás clasificar. Si partimos de la base de que tocamos lo que escuchamos en nuestra cabeza y en nuestro corazón, todo lo que oigamos influenciará mucho esa música interior, única, que nos define y que poseemos cada uno de nosotros.
Por último, todo esto sobre lo que he escrito está basado en un vídeo didáctico del bajista VIctro Wooten. Se llama: "Victor Wooten: Groove workshop". Está destinado a bajistas pero sirve para cualquier instrumento. Te lo recomiendo vivamente. Cuesta cada centavo de lo que vale y es verdaderamente inspirador. Si tienes problemas para encontrarlo mándame un privado y vemos como lo puedo compartir contigo.
Espero que te haya servido.
Con respecto a tocar OUT. La forma más sencilla que he encontrado, sin pasar por escalas como superlocria, lidia dominante, tono semitono, escala de tonos enteros, etc. es la siguiente. Bueno, primero decirte que tocar out tiene mucho que ver con el rítmo y con la apreciación sonora de que aunque las notas que tocas no poseen un color reconocible, si que tienen una estructura rítmica que sirve para no dar la sensación de que te has perdido. Las notas están en OUT pero tu estás IN.
Lo más sencillo para estar fuera es tocar exactamente la misma digitación que estás tocando, ya sea una escala o un arpegio, medio tono arriba o medio tono abajo. ¿Cómo se consigue? Estamos en pentatónica, hacemos una frase y luego aprovechamos un compás débil para tocar la misma pentatónica un semitono arriba o abajo o ambos y luego, cuando entra la tierra, el golpe fuerte, regresamos de nuevo a nuestra escala, a nuestra zona de confort. Tocar OUT es como tirar un boomerang o un YO YO y luego esperar a que vuelva en el tiempo exacto que tu quieres que lo haga. No he visto los videos porque no los puedo escuchar ahora pero lo haré y ya te comento.
Por último, tu nick y tu avatar son muy inquietantes!!!!
Un saludo
Lo más sencillo para estar fuera es tocar exactamente la misma digitación que estás tocando, ya sea una escala o un arpegio, medio tono arriba o medio tono abajo. ¿Cómo se consigue? Estamos en pentatónica, hacemos una frase y luego aprovechamos un compás débil para tocar la misma pentatónica un semitono arriba o abajo o ambos y luego, cuando entra la tierra, el golpe fuerte, regresamos de nuevo a nuestra escala, a nuestra zona de confort. Tocar OUT es como tirar un boomerang o un YO YO y luego esperar a que vuelva en el tiempo exacto que tu quieres que lo haga. No he visto los videos porque no los puedo escuchar ahora pero lo haré y ya te comento.
Por último, tu nick y tu avatar son muy inquietantes!!!!
Un saludo
Valiosa información astrako77 intentaré llevarla acabo, la verdad que se agradece tu implicación en este hilo, te lo has currado muy mucho. Mirare de conseguir el video de Victor Wooten, por cierto está traducido al español, o solo subtitulado?
MI avatar y mi Nick va dirigido a mi mismo muchas veces, ¿por que no me callo? jajaaj, un abrazo compañero y muchísimas gracias!
MI avatar y mi Nick va dirigido a mi mismo muchas veces, ¿por que no me callo? jajaaj, un abrazo compañero y muchísimas gracias!
astrako77 escribió:recomiendo centrarse en este aspecto y recomiendo el libro de kenny werner al respecto Efortless maestry, una pena que solo se halla editado en ingles.
1. Relajación
Sobre la musica y para completar el excelente esquema de astrako te recomiendo empezar la improvisacion solo con las notas del acorde, con sus arpegios, con el tiempo te daras cuenta que si a ese arp3gio le sumas las tensiones tenes la escala...es otra forma de aproximarse que para mi por ej es mas intuitiva. Por ej si sabes el arpegio de G7 y luego le sumas sus tensiones ( 9 11 y 13) tenes la escala de G mixo. O a un Fmaj7 le sumas 9 #11 y 13 tenes F lidio etc etc...si tocas piano lo vas a entender en seguida al sentarte y armar los voicings.
Una vez que domines esto vas a aproximarte a las escalas dsd otro angulo encontrando el arpegio y la escala en el mismo sitio, una leccion que jose pass remarcaba mucho y usaba mucho al tocar.
#18 Lastima que este en ingles, todo lo bueno o casi todo esta en otro idioma jjajaj. Justamente es lo que hago, "improvisar" por cuatriadas y sus respectivas tensiones y utilizar notas de aproximación hacia todas estas notas, bordaduras etc.... pero está claro que me lo tengo que currar bien... hay acordes y tonalidades mas jodidas que otras xD, gracias!
He movido el post a un hilo ad hoc por si os apetece comentar:
https://www.guitarristas.info/foros/elementos-para-improvisacion/290809
#18 muy buena tu aportación. Pensar en escalas y en acordes a la vez, integrar las dos focalizaciones. Ahí está el quid. La cuestión es que una escala se puede considerar como un arpegio que contiene las tensiones que dan el color característico a esa escala y que la diferencian de otras. Otra cosa es el estilo. Si el estilo tira mucho de escala por segundas, pues habrá pocos arpegios como el blues. Otros estilos casi solo usan arpegios: swing manouche.
Gracias por la recomendación del libro. Le echaré un googleleo.
#19 sólo está como subtítulos en español. Se sigue perfectamente
https://www.guitarristas.info/foros/elementos-para-improvisacion/290809
#18 muy buena tu aportación. Pensar en escalas y en acordes a la vez, integrar las dos focalizaciones. Ahí está el quid. La cuestión es que una escala se puede considerar como un arpegio que contiene las tensiones que dan el color característico a esa escala y que la diferencian de otras. Otra cosa es el estilo. Si el estilo tira mucho de escala por segundas, pues habrá pocos arpegios como el blues. Otros estilos casi solo usan arpegios: swing manouche.
Gracias por la recomendación del libro. Le echaré un googleleo.
#19 sólo está como subtítulos en español. Se sigue perfectamente
Sobre el tema de tocar out hay un apartado interesante en el Libro de Teoría de Mark Levine( el cual está ya en castellano), en el apartado de "Secuencias".
astrako77 escribió:Ok, gracias!#19 sólo está como subtítulos en español. Se sigue perfectamente
carlosgama escribió:Podrías poner el link al apartado secuencias? no logro ver por ningún lado una sección que se llame así, muchas gracias!Sobre el tema de tocar out hay un apartado interesante en el Libro de Teoría de Mark Levine( el cual está ya en castellano), en el apartado de "Secuencias".
astrako77 escribió:Me alegro de que otros músicos no guitarristas se pasen por aquí
Y menos mal, por que a menudo los guitarristas somos muy poco músicos. jajajaja
¿Por qué no me callo? escribió:porque tienes que aprenderte el Re dórico partiendo de Re, porque no puedes hacerlo partiendo de cualquier otra nota diatónica del tono de Do?
De hecho, puedes usar la tensión de cada modo usando solo la posición Jónica si sabes cuál es el primer grado de cada modo*, ya que en realidad, el sonido de un modo lo "provoca" los acordes que suenan. Al fin y al cabo, los modos son las MISMAS notas de la escala mayor que empiezan y acaban en notas que no son la tónica. Si tocamos la escala lidia de F sin música que nos acompañe suena la escala mayor de C.
*: Por ejemplo, si estás en una progresión de G aeoleo (VI grado) podemos tocar en A# mayor (I grado) y sonará a menor.
Todo depende del enfoque que le pongas
Hola.
Creo que tienes razón #1 .
Los acordes existen y las escalas no.
Lo único real que pasa es que hay unas notas sobre las que estás tocando y hacen que cualquier cosa que toques tenga más o menos tensión.
No te suena igual la nota Do con Cmaj7 que con Dm7 que con Fmaj7 aunque todos los acordes hayan salido de la misma escala.
El acorde marca las tendencias de las notas y aquí está la clave; tendencias. Todo tiende a la triada.
En C:
La 1 tiende a la 5. Do-Sol.
La 2 a la 1 Re-Do
3-1, Mi-Do
4-3, Fa-Mi
5-1, Sol-Do
6-5 , La-Sol
7-8 (1), Si-Do
Eso con las notas de la escala y las alteradas tienden hacia arriba:
#1 -2, C#-D
#2 -3, D#-E
#4 -5, F#-G
#5 -6, Sol#-La
Ya tienes las doce notas con respecto a un acorde. Eso se generaliza y lo tienes que escuchar desde cada acorde.
Si estás tocando y nunca sigues tendencias te da igual el acorde que esté sonando y el resultado no sonará como debería, no sonará "dentro" de la armonía aunque sean las notas correctas.
Si estás tocando y la melodía sigue tendencias, suena "dentro".
Tocar "fuera" es tocar "dentro" de una armonía superpuesta a modo de sustitución.
Por ejemplo: Si tocas dentro de G7 reposarás en las notas G, B, D, F. Ahora tocas esa frase de G7 sobre el acorde de E7. Ahora las notas G, B, D y F son la #9 , la 5, la b7 y la b9 de E7. El resultado es que suena E7(b9,#9), lo puedes hacer con acordes, claro, es lo mismo.
En cualquier caso, como ya han mencionado, lo más importante es el ritmo. "It don`t mean a thing if it ain`t got that swing".
Una melodía son notas y ritmo. Notas que definen la armonía en los sitios importantes del compás. Entre medias lo que tu oído de de sí, es una cuestión de tensión-relax.
Un saludo.
Creo que tienes razón #1 .
Los acordes existen y las escalas no.
Lo único real que pasa es que hay unas notas sobre las que estás tocando y hacen que cualquier cosa que toques tenga más o menos tensión.
No te suena igual la nota Do con Cmaj7 que con Dm7 que con Fmaj7 aunque todos los acordes hayan salido de la misma escala.
El acorde marca las tendencias de las notas y aquí está la clave; tendencias. Todo tiende a la triada.
En C:
La 1 tiende a la 5. Do-Sol.
La 2 a la 1 Re-Do
3-1, Mi-Do
4-3, Fa-Mi
5-1, Sol-Do
6-5 , La-Sol
7-8 (1), Si-Do
Eso con las notas de la escala y las alteradas tienden hacia arriba:
#1 -2, C#-D
#2 -3, D#-E
#4 -5, F#-G
#5 -6, Sol#-La
Ya tienes las doce notas con respecto a un acorde. Eso se generaliza y lo tienes que escuchar desde cada acorde.
Si estás tocando y nunca sigues tendencias te da igual el acorde que esté sonando y el resultado no sonará como debería, no sonará "dentro" de la armonía aunque sean las notas correctas.
Si estás tocando y la melodía sigue tendencias, suena "dentro".
Tocar "fuera" es tocar "dentro" de una armonía superpuesta a modo de sustitución.
Por ejemplo: Si tocas dentro de G7 reposarás en las notas G, B, D, F. Ahora tocas esa frase de G7 sobre el acorde de E7. Ahora las notas G, B, D y F son la #9 , la 5, la b7 y la b9 de E7. El resultado es que suena E7(b9,#9), lo puedes hacer con acordes, claro, es lo mismo.
En cualquier caso, como ya han mencionado, lo más importante es el ritmo. "It don`t mean a thing if it ain`t got that swing".
Una melodía son notas y ritmo. Notas que definen la armonía en los sitios importantes del compás. Entre medias lo que tu oído de de sí, es una cuestión de tensión-relax.
Un saludo.
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